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sábado, 25 de enero de 2014

Marta Libedinsky: La enseñanza en el territorio de las artes siempre es un buen espejo en el que mirarse

Marta Libedinsky, magister en Didáctica por la Universidad de Buenos Aires, y con una destacada carrera como docente universitaria y consultora en temas de educación de organismos nacionales e internacionales, habla en esta entrevista de algunas facetas de la relación entre educación y nuevas tecnologías: desde las limitaciones de equipamiento y capacitación con que trabaja la mayoría de los docentes hasta su experiencia como tutora de los cursos on line del área de Educación de la Universidad de Harvard; desde la necesidad de que la oferta de capacitación en nuevas tecnologías sea diversificada, hasta el rol indelegable de la escuela como lugar de socialización de los niños, entre otras cuestiones que hoy están en el centro del debate.
 
 

 
—En su opinión ¿cuáles debieran ser los lineamientos didácticos que acompañen la capacitación de docentes en la aplicación de las nuevas tecnologías en su práctica profesional?

Marta Libedinsky:—Respecto de la capacitación de docentes en temas de nuevas tecnologías y sus aplicaciones para la educación, creo que hay muchas facetas para explorar y todas son bien interesantes.
Yo creo que una oferta diversificada, no uniforme para todos, sino según niveles alcanzados e intereses particulares, sería una buena idea. Una oferta que tenga en cuenta que los docentes son profesionales que gestionan proyectos educativos, que planifican, que enseñan, que evalúan y que están interesados en acceder a información actualizada y útil sobre la temática educativa, que les permita tomar las mejores decisiones. Si no se tiene en cuenta desde el diseño mismo de la capacitación para qué y en qué va a usar el docente lo que aprenda, creo que se está eligiendo un camino equivocado.
Si pienso en intereses y necesidades, imagino que algunos grupos de docentes estarán más interesados en convertirse en habilidosos operadores de computadoras (si todavía no lo son) y avanzar hasta donde necesiten, quieran o puedan; otros tal vez necesiten ver con claridad cómo se hace para integrar estas nuevas tecnologías en la enseñanza de las diferentes áreas, disciplinas o dominios de conocimiento que componen el currículo; otros estarán más interesados en aprender a construir criterios que les permitan seleccionar acertadamente recursos multimediales que hoy están disponibles en Internet; otros quizás ya estén listos para encarar sus propias producciones, sus propios recursos didácticos artesanales usando las nuevas tecnologías y quieran aprender cómo hacer para mejorarlos; otros tantos necesitarán saber de qué modo puede mejorarse el servicio que se ofrece, por ejemplo, desde las bibliotecas escolares, o cómo ampliar los canales de comunicación entre las instituciones educativas y las familias. Otros tal vez estén interesados en capacitarse para poder participar plena y activamente en proyectos colaborativos y prefieran capacitaciones puntuales para esos proyectos. Y otros estarán interesados también en conocer nuevos autores, nuevas conceptualizaciones, nuevas perspectivas, en reflexionar sobre las vinculaciones entre las tecnologías y la educación, su pasado, su presente, su futuro, lo que sucede en otros países, lo que sucede en otras escuelas.
La enseñanza en el territorio de las artes siempre es un buen espejo en el que mirarse, aun cuando uno no enseñe artes. Algunos querrán aprender a apreciar las producciones musicales elaboradas por otros, otros querrán aprender a tocar un instrumento musical sólo por el placer de hacerlo, otros querrán acceder a niveles más altos en la interpretación, otros podrán componer, otros podrán reflexionar sobre la música y otros tantos estarán en condiciones no sólo de hacer música, sino también de enseñarla a otros. Sólo algunos pocos podrán hacer todo eso y bien.

—Teniendo en cuenta que las nuevas generaciones tienen su primer acercamiento a las TICs desde el entretenimiento, ¿cómo cree Ud. que los alumnos perciben la inclusión de las nuevas tecnologías en su educación dentro del aula?
—Imagino que con placer, con expectativa, con interés. Un alumno que lee por placer se alegra cuando llega la hora de ir a la biblioteca, si esa biblioteca está pensada para él. Un alumno que disfruta de los deportes, se alegra cuando llega la hora de Educación Física, si se practican los deportes que él o ella prefiere. No me imagino a un chico ni a una chica que disfruta de las TIC y que las elige libremente, que se vaya a disgustar porque se incluyan en el aula. Seguramente esa inclusión dentro del aula le permita conocer otras posibilidades que las TIC ofrecen y que él o ella desconocían y que no pueden descubrir autónomamente. Creo que la intervención del adulto es fundamental en este sentido.

—¿De qué manera podrían optimizarse los usos de las TICs en el aula?
—Creo que todavía sabemos muy poco sobre esta cuestión. Hay que dar tiempo para que nuestras escuelas tengan el equipamiento que necesitan, para que tengan conexión a internet, para que los docentes puedan acceder a la capacitación que necesitan, para que detecten aquellos proyectos colaborativos en los que quieren participar. Falta investigación y falta mucho tiempo para poder responder a esta pregunta, creo yo. Con el tiempo tendremos respuestas, creo que hoy y aquí es todavía muy temprano para responder esta pregunta. Personalmente, fueron muy pocas las veces que tuve la oportunidad de enseñar en aulas con TICs. Como docente me encantaría poder enseñar en aulas bien equipadas, pero ya sabemos que son cuestiones que no dependen de la buena voluntad ni de la buena disposición de un docente ni de un equipo docente.
 
—Sabemos que se desempeña como tutora de los cursos on line de WIDEworld destinados al desarrollo profesional de educadores. Desde su práctica concreta ¿qué podría decirnos de los resultados del aprendizaje en línea de los docentes y educadores que participan?
—Los resultados son excelentes. Los cursos de WIDEworld están maravillosamente diseñados, los participantes son acompañados a lo largo de un proceso de estudio, reflexión y producción que dura doce semanas, de trabajo muy intenso; se generan intercambios muy ricos, se dialoga, y siempre agrega interés el interactuar con personas que viven en diferentes ciudades, con gente a la que uno no conoce personalmente pero con la que tiene intereses en común e ideas para compartir. Los grupos de estudio están integrados por personas que comparten el oficio de enseñar y la preocupación por hacerlo cada vez mejor, aun cuando sus áreas de especialidad sean diversas. Los equipos de instructores y tutores están en permanente comunicación para ir ajustando las decisiones al ritmo de lo que va sucediendo a lo largo de cada curso y en cada grupo. La plataforma en la que se trabaja es sencilla y de fácil manejo, lo que permite que participantes, instructores y tutores podamos trabajar con comodidad. Además, este proyecto no sólo fue concebido por profesionales prestigiosos y reconocidos en pedagogía y tecnología, sino que también cuenta con un equipo de investigadores calificados que está permanentemente monitoreando, evaluando, analizando lo que va sucediendo, comunicando las conclusiones parciales a las que van arribando. Así, en cada nueva edición de los cursos se hacen ajustes importantes. No sólo aprenden los participantes –y lo manifiestan–: aprendemos todos.

—¿Cree que el e-learning tiene aplicación en el primario y el secundario o sólo sirve para formación profesional y a nivel universitario?
—Creo que no se trata de niveles, sino que se trata de edades, de etapas de la vida. Los niños y los adolescentes, a mi criterio, tienen que ir a la escuela todos los días. Las escuelas son ámbitos indispensables de socialización, donde se interactúa cara a cara con pares y también con adultos, donde se aprende y se vive la vida.
Algunos proyectos se denominan, por ejemplo, escuelas secundarias virtuales, pero no son escuelas tal como las conocemos. Son programas en los que la innovación es curricular, es didáctica y es tecnológica. Todo al mismo tiempo. Estos programas no se desarrollan en una escuela sino en muchas simultáneamente. No son programas de instituciones individuales, son redes. Imagino que para un estudiante de nivel medio, tal como para el caso del profesional o del estudiante universitario, puede ser de interés participar de una experiencia de este tipo. Pero insisto en que no son escuelas, son programas en los que se busca que los especialistas aporten lo mejor que tienen para dar, que la tecnología aporte lo mejor que tiene para dar para enriquecer el currículo, que los adolescentes vivan nuevas experiencias interesantes y desafiantes en contacto con otros adolescentes que no forman parte de su núcleo habitual de compañeros y amigos, y que las escuelas se beneficien con programas que no estarían, de ninguna manera, en condiciones de desarrollar autónomamente.

¿Para qué sirve el arte?



 

La función de la obra de arte en la sociedad

Las obras de arte plásticas y visuales han cumplido con funciones muy distintas a lo largo de su historia. Como el arte carece de un valor de uso inmediato e intrínseco que lo defina y restrinja, su utilidad le es dada arbitrariamente y se puede manipular.
Las funciones del arte son múltiples, mutables, combinables entre sí y dependientes de un contexto: el entorno el que se crea la obra de arte, aquel en el que se presenta o el grupo social que la observa.
 
 

Funciones sociales del arte:

  • Función mágico-religiosa. Es el uso del arte ligado a los rituales mágicos para los que se produce. Se cree que esta es la función principal del arte primitivo.
  • Función estética. Impera la función estética cuando la obra de arte gira en torno al concepto de belleza como, por ejemplo, en la representación de ideales estéticos de la Antigua Grecia.
  • Función ideológica. Se transmiten los pensamiento de un movimiento (social, político, religioso...) a través de la obra de arte. Pueden ser los pensamientos del artista o los de quienes han encargado la obra.
  • Función conmemorativa y de promoción. Un arte frecuentemente usado dentro de la propaganda política para la exaltación de triunfos y la divinización de figuras históricas como en la Antigua Roma.
  • Función pedagógica. Las clases dirigentes, como las órdenes religiosas durante la Edad Media, encargan al artista representaciones que ilustren sus mensajes para adoctrinar al grueso de la población que no sabía leer.
  • Función de registro, análisis y expansión de la realidad. El artista investiga su entorno y muestra la información que ha recopilado a través de la obra de arte. El estrecho vínculo entre la producción de arte y su contexto histórico permiten que, aunque el registro de su entorno no haya sido una prioridad para el artista, a través de las obras de arte se pueda obtener información de la cultura de la que proviene.
  • Función modeladora de la sensibilidad. La contemplación de obras de arte enriquece y da forma a la sensibilidad artística del espectador.
  • Función ornamental. El arte se usa para transformar un espacio.
  • Función mercantil. Las obras de arte tienen un valor de cambio y el arte se convierte en un producto más. Con esta función aparecen intermediarios que ponen en circulación las obras (marchantes, galerías, casas de subastas, etc.) y crece la distancia entre el artista y el público general.
  • Función de discriminador social. Cuando se compra arte caro se adquiere un prestigio directamente relacionado con la capacidad de pagar grandes sumas por un objeto que es innecesario y que carece de utilidad aparente.

jueves, 16 de enero de 2014

El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA)

El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) pone a disposición guías gratuitas para trabajar obras de arte de artistas consagrados de América Latina.


Cada guía está dedicada a un artista presente en el acervo de Malba – Fundación Costantini. De forma clara y didáctica, se presentan la obra seleccionada y el artista con propuestas sugeridas para trabajar integrando diferentes áreas de la currícula escolar.


Estas guías didácticas son sólo un punto de partida para la reflexión, el diálogo y la acción. Se invita a docentes y alumnos a aventurarse a que exploren las infinitas posibilidades de apropiaciones y proyecciones que permiten las obras de arte.


El diseño del material deja abierta la posibilidad de que estas guías puedan adaptarse para ser utilizadas por educadores de educación no formal. Algunas actividades también son susceptibles de ser realizadas en talleres para adultos mayores o adultos y jóvenes con discapacidades mentales.


Cómo acceder a las guías didácticas del Malba
Al ingresar a la página principal del Museo (clic aquí) Se debe buscar el item "educación y acción cultural" y luego allí seleccionar la opción "programas para niños". En la lista de actividades que aparecen debemos bajar hasta la sección "Guías para educadores - más información". Allí aparecerá la lista de guías en la página que ilustramos aquí abajo.


En caso de estar cerca de Buenos Aires, es una hermosa experiencia hacer una visita por este museo.
Para ingresar directamente a las guías, hacer clic aquí

miércoles, 8 de enero de 2014

Usos creativos de Tumblr en museos

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A esta alturas es muy difícil no haber oído hablar de Tumbrl,  una red social de  microblogging  que lleva cinco años funcionando y  que quizás es de las más que menos se escucha hablar ( aunque el pasado mes de Mayo si fue noticia por su compra por parte de Yahoo! por una cantidad de 857 millones de euros) pero cuyas cifras no son nada desdeñables, según los datos proporcionados 139 millones de blogs creados hasta octubre de 2013 (lo cual no quiere decir que sean activos, ese dato, no he podido encontrarlo).
Tumblr es una herramienta muy visual,  que permite crear y compartir todo tipo de contenido, con especial énfasis en lo multimedia. Tiene la ventaja de que es muy sencillo de utilizar. Además tiene un componente de red social, al poder los usuarios interaccionar con los contenidos a través de:  me gusta,  comentarios, o compartirlos en sus cuentas (reblogging).
Una de las cosas que más me gusta de Tumblr es que se generan contenidos muy creativos, y creo es una opción a considerar por las instituciones culturales, cuando por ejemplo no tienen recursos para mantener un blog. Es una oportunidad además para crear publicaciones originales y frescas, y conectar de esta manera con los usuarios.

Algo que echo mucho de menos en el uso de las redes sociales por parte de museos o instituciones de arte, es eso mismo, que no se utilicen como un espacio de creación de contenidos (más allá de la difusión de sus actividades o colecciones), creo que  no se le saca el suficiente provecho a Internet y las herramientas sociales, en ese aspecto.
A continuación os pongo una serie de ejemplos de diferentes instituciones culturales que lo están utilizando de diversa manera:
Maneras creativas de atraer a los usuarios a una exposición del museo. Es el caso del The Art institute of Chicago, con motivo de la exposición  Impressionism, Fashion, and Modernityque finalizó el pasado 26 de Septiembre, que versaba sobre la relación entre la moda y el arte en el París, entre mediados y finales del s.XIX, utilizando para ello obras impresionistas y vestuario de esa época. Para esta exposición crearon la figura de Jean-Paul Brunier, aficionado a la moda y la fotografía que llegó del siglo s.XIX al Chicago del s.XXI  para documentar la moda actual.
Monsieur Brunier
De esta manera, con cámara en mano, ha ido publicando en este Tumbrl, con comentarios como viste la gente en la actualidad haciendo fotos, y comparando con las obras que aparecían en la colección. Como parte de esa identidad Monsieur Brunier también tenía una cuenta de twitter con la que atraía y conversaba con los usuarios.
-Espacio para subir eventos, obras destacadas  Los Angeles County Museum of Art (LACMA), tiene abierta un espacio en Tumbrl, para compartir obras destacadas, eventos , pero también es un espacio para interactuar con los usuarios publicando videos o compartiendo contenido sobre el museo que otros usuarios publican.
LACMA
 
-Compartir el contenido de otros. San Francisco Museum of Modern Art.
Este tumbrl es muy visual y tienen una opción muy interesante en la cual los usuarios pueden enviarles imágenes originales que cada viernes postean.
Hacer accesible al público una obra. La Fundación Keith Haring, ha escaneado el diario del artista y lo está publicando en su cuenta de Tumblr con la intención de que esté disponible online.
- Crear un espacio de un departamento concreto. The Museum of Modern Art (MOMA) es quizás uno de los museos más activos en el tema de las Redes Sociales, el tumblr de MOMA Talks, lo mantiene  personas que trabajan en el departamento de educación, y además de compartir contenido sobre las actividades y programas que llevan a cabo, comparten contenidos de otros usuarios de Tumblr.
-Dirigirse a un tipo de  usuario concreto. Y volvemos a hablar del MOMA, con el tumblr orientado a adolescentes MOMA_Teens, donde además de publicar todos los contenidos referentes a las actividades, publican o comparten de otros usuarios , imágenes o gifs animados remixeadas de obras de arte, junto con obras de arte.
MOMA_Teens
 
Como habréis podido observar no hay ningún museo español, pero ha sido porque la verdad es que no lo he encontrado, con esto no quiero decir que haya que utilizar esta herramienta, ese es el error que se comente con demasiada frecuencia en las “estrategias”de social media, usar las herramientas sin un objetivo concreto, solo porque parece hay que hay que tener presencia.
He querido poner estos ejemplos para mostrar que se pueden hacer cosas creativas utilizando las herramientas, y que a través de esos contenidos se puede conectar de otra manera con los usuarios, pensando por ejemplo en la gente joven , que se siente tan alejada muchas veces de los museos.
Y si queréis visitar más ejemplos en este link podéis encontrar la recopilación  que está haciendo Museum Nerd sobre Museos en Tumblr.
La imagen está sacada del Tumblr de MOMA_Teens (Fuente: belshem)

Realidad aumentada para el patrimonio, museos… y para el mercado del arte

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La Realidad aumentada en cultura es una tecnología apareció hace ya tiempo sobre todo asociada al patrimonio y a la reconstrucción de monumentos o yacimientos arqueológicos; como el caso del proyecto de realidad aumentada del yacimiento arqueológico de Els Vilars que mostraba cómo podía aplicarse esta tecnología a través de una una visita guiada, para que los visitantes pudieran conocer cómo era este poblado íbero. Podéis leer  todo lo referente al proyecto en este artículo.
Así esta tecnología se muestra perfecta para este tipo de yacimientos arqueológicos, en los cuales muchas veces sólo queda visible la base de las construcciones,  y  cuando están abiertos al público éstos pueden sentirse perdidos al intentar comprender cómo eran.
Básicamente la realidad aumentada permite a los usuarios interactuar de forma sencilla y en tiempo real con capas de  información que pueden agregarse . Así ésta deja ver al usuario el mundo real a su alrededor y aumenta la visión que éste tiene de su entorno mediante la superposición o composición de los objetos virtuales tridimensionales, audio, vídeo, textos, imágenes , y en general todo tipo de información multimedia.
También encontramos ejemplos de uso de tecnología dentro de los museos, usado en la mayoría de ocasiones desde un punto de vista educativo, para enriquecer la experiencia por ejemplo en una exposición, como  la iniciativa del museo de Mataró,  que integró un sistema de realidad aumentada con la muestra  ”Mar de Fondo”, que buscaba ampliar la experiencia del público con las obras. Así a través de una tablet o un Smartphone el visitante solo tenía que apuntar sobre la obra, proporcionando la aplicación más información sobre la misma.
Con el auge  de los Smartphones y las tablets también hay numerosos ejemplos de aplicaciones móviles donde la experiencia puede realizarse fuera,  y dónde se busca enriquecer una historia o una experiencia, como el caso de “Street Museum”  aplicación creada  en 2010 por el Museo de Londres, que permite a los usuarios contrastar fotografías de la antigua Londres, en los espacios donde se tomaron originariamente las imágenes (y que ya pueden no existir). A través del gps, geolocaliza al usuario los  puntos de interés  y si orientas tu teléfono hacia éstos,  aparece la imagen antigua superpuesta al espacio real, así se puede contrastar y leer información sobre los sucesos o hechos históricos ocurridos en el lugar. Otro ejemplo similar es el que ha realizado el Museo de Anne Frank en Amsterdam, donde puedes descubrir lugares de la vida de  Anne Frank a través de la app, que  superpone fotos históricas sobre el espacio actual.


Y pensando en otras aplicaciones que puede tener esta  tecnología ¿Podría servir la realidad aumentada para el mercado del arte?  Me ha parecido interesante la propuesta de la empresa Kunstmatrix llamada KUIO (el texto solo está en alemán), un aplicación de Realidad Aumentada (actualmente  solo para IOS)  orientada a galeristas, artistas o “amantes del arte”,con la cual podemos ver una obra de arte de cualquier técnica en un espacio, a través de un código QR tal y como se vería en el mismo. Una aplicación con muchas posibilidades para un sector muy reacio al uso de las nuevas tecnologías como es el caso de muchas de  galerías.
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Para las galerías  es muy interesante porque permite por ejemplo enviar un catálogo donde se pueden ver las obras que van a formar parte de la exposición y pudiendo consultarse sin tener que asistir “in situ”a la misma. Pensemos  que puede ser una herramienta de marketing, para enviar invitaciones, en la cual a través de un código QR puedas ver en realidad aumentada las obras, o en forma de catálogo para aquellos  que no puedan asistir a las exposiciones.
Además se puede visualizar de una forma mucho más atractiva las obras que,  por ejemplo a través de una imagen o fotografía de las mismas, lo que es muy interesante para personas interesadas en el arte o posibles coleccionistas. En el caso de los artistas les permite por ejemplo tener un catálogo de obras mucho más atractivo, por ejemplo si realiza una exposición puede tener siempre disponibles como estaban las obras situadas en el espacio, además puede hacer pruebas de como quedarían en un espacio nuevo.
Desde el punto de vista de visualizar la obra de arte de forma creativa, es muy interesante la aplicación de Realidad Aumentada ARART‘, que han desarrollado los artistas japoneses kei shiratori, takeshi mukai and younghyo bak, que utilizando obras de arte muy conocidas como los Girasoles de Van Gogh, la Mona Lisa de Leonardo o el conejo blanco de las aventuras de Alicia en el País de las maravillas crea animaciones virtuales en tiempo real,  a través de un  modelo 3D y la realidad aumentada.

Pensando en diferentes usos que podría darse a esta tecnología; podría servir  para poner anuncios y atraer a nuevos usuarios, como el Museo de Arte contemporáneo de Australia que con motivo de su reapertura en 2012, realizó una aplicación utilizando la realidad aumentada en la cual puedes ver  una reconstrucción del edificio y puedes hacer un recorrido virtual por las salas, además en colaboración con el  periódico The Sunday Telegraph publicaron un artículo donde apuntando a las imágenes te ofrecía un recorrido virtual o también ver un modelo 3D interactivo del museo.  También hicieron algo parecido en paradas de autobuses, que se convertían en un portal que transportaba al museo.
Otros usos que me parecen interesantes es para los catálogos de exposiciones o artistas, es decir, los catálogos actualmente son mejorables  no se ha innovado mucho en ellos  y se podría hacer un catálogo en el que el contenido fuera más multimedia.
También para acercar el arte, estoy pensando en el tema educativo  poder crear un exposición de códigos QR donde los usuarios pudieran ir descubriendo y analizando cada una de las obras. ¿ Os imáginais una exposición así? ;-)
Creo que la Realidad aumentada, que cuando surgió parecía una tecnología que iba a revolucionar el arte y el patrimonio, y  realmente no ha tenido tanto uso en las instituciones culturales y tiene todavía muchas oportunidades sobre todo en como visualizar obras de arte o para aplicaciones educativas.
En el caso del mercado del arte  también existen múltiples usos, como por ejemplo para atraer nuevos públicos. Al final la cuestión es la de siempre generar contenidos interesantes y creativos a través de la tecnología y no sólo utilizarla porque sí. Y ¿Vosotros que pensáis? ¿Veis útil esta tecnología para la cultura? ¿Habéis utilizado alguna vez alguna aplicación de Realidad Aumentada?.
La imagen pertenece al Tumblr de prosthetic knowledge.
Si te ha parecido interesante Compártelo :-)

Avance: TEDxRíodelaPlata - Canal Encuentro

Recursos

educ.ar
 
Videos, cursos, videojuegos, notas... Recursos que ayudan a los chicos y chicas a crear y expresarse usando tecnología. ¡Conocé la sección «Aprendé»!
http://www.educ.ar/sitios/educar/recursos/ver?id=119025&referente=noticias
 
 

Arte: Territorio de la Innovación

El cuarto de Van Gogh

Taller Arte- CONECTAR IGUALDAD



Comentario de participantes sobre pregunta disparadora: ¿Qué oportunidades se nos presentan en nuestro trabajo como docentes a partir de la inclusión de las TIC en el aula?

martes, 7 de enero de 2014

Movimientos Artísticos

Animación


Qué son los derechos de los niños


Arte en los cotidiano

Cuando la inspiración está en el arte

Derechos del niño

El arte como espacio de expresión para todos

 

¿Recuerdas esos dibujos que tu mamá pegaba en el refrigerador cuando tenías cinco o seis años de edad? Para ella esos primeros trazos tuyos eran arte, ¿cierto?

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El arte es para todos. Pero ¿Qué es el arte? De acuerdo al diccionario de la Real Academia Española es una “manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros”. En otras palabras, es una representación propia del mundo o de la realidad en la que vivimos; por tanto, es personal, única e irrepetible. 
Generalmente cuando nos hablan de arte pensamos que se trata de un ejercicio complejo en el cual la creatividad y la imaginación son ingredientes clave, los cuales se ven reflejados en una obra excepcional y grandiosa; por ejemplo, una pintura, una pieza musical o una representación teatral, entre muchos otros. Los artistas dedican su vida a ejercer el arte en cualquiera de sus vertientes, sin embargo, este artículo comienza afirmando que el arte es para todos ¿Por qué es así? 
Desde pequeños, todos los seres humanos vemos, sentimos y nos adentramos en el complicado proceso de conocer nuestra realidad. Además, tenemos la capacidad de imaginar y crear en cualquier aspecto de nuestra vida; así que podemos crear arte; un arte personal y único. ¿Recuerdas esos dibujos que tu mamá pegaba en el refrigerador cuando tenías cinco o seis años de edad? Para ella esos primeros trazos tuyos eran arte, ¿cierto? 
Ahora es momento de preguntar, ¿Qué sientes por tu Planeta y por la naturaleza? ¿Cuál es tu percepción sobre las plantas y animales? Si te pidieran plasmar en un dibujo o en algún otro medio, tus sentimientos y emociones con respecto a estas preguntas ¿Qué dibujarías? ¿Crees que podrías crear arte?
Éste podría ser un buen ejercicio de reflexión: te has puesto a pensar ¿Qué pasaría si conjuntáramos todas las visiones, de todas las personas, de todas las edades del Mundo con respecto de la naturaleza? Quizás la visión positiva de nuestro Planeta y la vida quede reflejada en los dibujos de todas esas personas…o quizás no; todos sabemos que nuestro Plantea está sufriendo una serie de cambios negativos que nos afectan a todos y cada uno de nosotros; no sólo a las plantas y animales. 
¿El arte es para todos? Si te das la oportunidad de plasmar tus sentimientos y emociones, si te dejas llevar por la imaginación y explotas tu creatividad al máximo, seguro podrás dar una respuesta afirmativa a esta pregunta. El arte está en nosotros desde cualquier edad; invita a tu familia, niños y adultos. Pídeles que representen lo que sienten por la naturaleza, los seres vivos y nuestra Tierra. Comencemos todos a expresar lo que sentimos por nuestro hogar y hagámosle saber qué visión tenemos sobre ella. 
Comienza preguntándote ¿Cómo ves y sientes el Mundo?
*Contenido cortesía de Pronatura AC
 
pronatura

El arte hace a los niños mejores personas y mejores estudiantes, confirma estudio

Un estudio publicó cómo impacta en la educación el acercamiento de los estudiantes al arte.

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Algunos están de acuerdo en que el arte es una parte importante de la educación básica. Debido a que la tendencia en los planes de educación de varios países se inclina hacia las ciencias exactas y la lengua, científicos sociales de la Universidad de Arkansas hicieron un experimento para comprobar los beneficios de impartir arte en las escuelas.  
En un estudio publicado en Education Next y Educational Researcher, se afirmó que los alumnos expuestos a las instituciones culturales como museos y centros de artes escénicas, no sólo tienen niveles altos de compromiso con las artes sino este acercamiento genera más tolerancia, empatía histórica, mejor memoria educativa y pensamiento crítico.
“Los cambios fueron significativos” dijo Jay P. Greene, profesor de la reforma educativa e investigador del estudio. En particular un solo tour a museo tiene una impresión definitiva en los estudiantes. De acuerdo con Greene, los estudiantes de este tour recordaron lo que habían aprendido “incluso sin una razón externa para hacerlo, como un grado o un examen.
Cuando el Crystal Bridges Museum of American Art abrió en Betonville, Arkansas, hace dos años, el museo ofreció a 11 mil estudiantes paseos. Cada grupo visitante (escogido por sorteo) vio 5 pinturas en una hora. Los paseos estaban dirigidos especialmente a los estudiantes, esto significa que los curadores no les dieron cátedra, sino que se les proporcionó la información mínima acerca de cada pintura y pasaron la mayor parte del tiempo facilitando discusión.
Tres semanas después, los estudiantes llenaron un cuestionario acerca de su experiencia en el museo. Aparte de recordar información sobre las pinturas que vieron, se les pidió responder preguntas sobre tolerancia hacia los otros y sobre empatía. Al final se les pidió escribir un ensayo corto acerca de una nueva pintura: The Box de Bo Bartlet, la cual no estuvo expuesta en el museo. Los estudiantes que ganaron el sorteo pero que no fueron en paseos de grupo, fueron el grupo de control. Los estudiantes también tuvieron que escribir sobre The Box relacionando la empatía y la tolerancia con dicha obra. Varios jueces revisaron los ensayos.
El equipo de Greene se sorprendió por lo académico que resultó la información y por lo mucho que aprendieron los alumnos, pues fueron capaces de recordar que la pintura hacía referencia a los apoyos de los precios durante la Gran Crisis de 1929 y también que otra pintura hacía referencia los abolicionistas que boicotearon la compra de azúcar.
“Estos detalles históricos no estaban incluidos en la introducción del curador” explica Green. Esto significa que el formato basado en la discusión alentó a los estudiantes a hacer preguntas importantes acerca de las pinturas. Pero algo acerca de la experiencia del museo también permitió a los pupilos recordar la información de la pintura un mes después. Eso es destacable considerando que los chicos olvidan rápidamente lo que han aprendido para los exámenes.
Cuando se les pidió a los estudiantes analizar una pintura no conocida “hubo un gran incremento en qué tan observadores eran los estudiantes si iban al museo de arte.  Fueron mucho mejores notando detalles en la nueva pintura que aquellos que no fueron.” Los alumnos también fueron capaces de empatizar con las personas y los casos referidos de una forma en la que el grupo de control no pudo hacerlo.
“Antes del estudio, muchas personas nos dijeron que los chicos sólo mirarían hacia fuera d elas ventanas.” dijo Greene, “Pues no, no lo hicieron. Prestaron atención y absorbieron información.” En parte esto se debe al formato de experiencia que no es cátedra. Pero Green sospecha que la razón también está vinculada a quitar a los estudiantes de su ambiente usual de escuela y ponerlos en uno cultural.”
“Puedes darle a los estudiantes una reproducción de gran calidad de una pintura pero no es lo mismo” dice Greene “ es como ver a un televangelista en lugar de ir a la iglesia. Tanto las iglesias como los museos invierten en arquitectura. El acto de ir pone la mente de las personas en otra experiencia receptiva”.   
 

ESPECIALIZACIÓN



Trabajo TIC en las Escuelas.

Reciclado: MAquetas

 
 
 
 
Mi ciudad. Trabajos tridimensional con materiales de desechos y reutilización.
 
 
















viernes, 3 de enero de 2014

Las TICs y el arte: otras formas de aprender

 

Es importante destacar que las expresiones artísticas son de fundamental importancia en el desarrollo integral del ser humano. Por ende, nuestro propósito en este caso, será enfatizar sobre los aportes del arte en la educación y la forma en que puede relacionarse con la tecnología para lograr una simbiosis de aprendizajes significativos, utilizando como ejemplo una estrategia didáctica que bien podría partir del concepto de multimedia utilizando como parte del proceso uno de los CD del Portal Educar, especificamente el de Antonio Berni. Y no es casual la relación existente con la temática desarrollada por este autor con esta presentación, puesto que se ha trabajado con escuelas de gestión estatal, algunas pertenecientes al Programa PIIE, dentro del contexto de las jornadas de "Taller de Arte Infantil" organizadas por el Ministerio y Secretaría de Educación de Tucumán, a cargo de la Supervisora de Plástica de la Zona Centro y cuya Directora de Básica es la Profesora Elsa Rogero.
Participaron más de sesenta escuelas durante dos arduas jornadas de trabajo donde se implementaron diversos talleres con múltiples producciones. Presentamos en este caso específico, sólo un fragmento de uno de sus distintos talleres, el cual aborda una forma diferente de acceder al conocmiento y es a través de la utilización de las TIC en el aula.
Destacaremos, asimismo, el valor de nuevas prácticas pedagógicas y las posibilidades concretas de llevar a cabo las mismas mediante ideas claras y sencillas.
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LA IMPORTANCIA DEL ARTE EN LA EDUCACION
El arte es de suma relevancia en el proceso educativo ya que promueve el desarrollo de la creatividad que todo ser tiene en potencia, estimula valores sociales, desarrolla todas las operaciones básicas del pensamiento y contribuye a la construcción de una autoestima positiva.
El hombre necesita comunicarse y relacionarse con los demás. Su capacidad para desarrollar diversidad de representaciones simbólicas a través de los lenguajes es lo que lo hace único. Fue creando distintas formas de expresarse a lo largo de la historia, la cual se va modificando acorde a su evolución intelectual, social y cultural. Al ir desarrollando su lenguaje el hombre está contribuyendo a su desarrollo intelectual, creativo y sensitivo.
Actualmente, las TIC son un factor determinante en estos procesos de comunicación, y por ende, en los procesos de socialización y aprendizajes. esta es la razón que nos motiva a analizar la insidencia de estos nuevos recursos en el aula.
Como hemos mencionado en varias oportunidades, de poco sirven los avances tecnológicos si no son acompañados por un nuevo paradigma y percepción del entorno que nos rodea. De poco pueden servir las herramientas si pretendemos encorsetarlas en metodologías antiguas donde los procesos del conductismo eran los que prevalecían. Es indispensable comprender que el conductismo ya no es un referente y que nuevas corrientes pedagígicas están conviviendo de manera simultánea para contribuir a la construcción del conocimiento desde un lugar participativo y de producción genuina, recreación y elaboración de contenidos acordes a las necesidades de cada lugar.
USO EDUCATIVO DE LAS TIC (José Emiliano Ibáñez)
El uso educativo de las TIC abre nuevas posibilidades pero a condición de que:
•superemos las orientaciones tecnocráticas (los medios por los medios) y míticas (la salvación por la vía de las nuevas tecnologías)
•insertemos el uso de las TIC en una pedagogía diferente a la habitual, preocupada sólo por la transmisión pasiva y/o la destreza técnica, evitando usar las TIC sólo como medio novedoso o con finalidad en sí mismas
•tengamos en cuenta la desigualdad social y territorial, que las TIC pueden aumentar (por ejemplo, si el acceso a Internet favorece el aprendizaje en un área, pero unas personas lo tienen en el hogar y otras no); el objetivo igualitario ha de ser fundamental y permanente, tanto en la forma de usar las TIC en la educación como en la pelea por su democratización social
•no olvidemos las diferentes sensibilidades y formas de aprendizaje del alumnado (por ejemplo, diferentes formas de acercamiento y trabajo entre chicos y chicas, en algunos casos al menos)
•utilicemos las TIC relacionando críticamente lo `real´ y lo `virtual´, de tal forma que se enriquezcan ambos contextos
Potencialidades de las TIC: (José Emiliano Ibáñez)
•La interactividad (persona / máquina y entre personas)
•Comunicación y colaboración sincrónica y asincrónica
•Facilidad de la comunicación a distancia
•Comunicación electiva. Individual / múltiple.
•Carácter multimedia
•Estructura hipermedia, estructura reticular
•Numerosas posibilidades colaborativas
•Editabilidad y publicabilidad de lo realizado
•Accesibilidad de la información
Algunos usos concretos: (José Emiliano Ibáñez)
•Internet como fuente general de información
•Creación de páginas y sitios web
•El correo electrónico como medio de comunicación
•El procesador de texto como herramienta de aprendizaje
•El aprendizaje colaborativo en comunidades virtuales
•Aplicaciones educativas y materiales digitales usados por el alumnado
•Programas para la creación de materiales educativos (en diversos formatos como videos, podcast, power point, blogs, etc)
Hoy presentamos una recreación de una obra de Antonio Berni "Juanito Laguna" que fue trabajada de forma grupal (con alumnos/as de EGB 1 y 2) mediante el concepto de aprendizaje colaborativo, donde todos y cada uno forma parte de la creación de la obra, deciden los elementos constitutivos, producen en conjunto y diseñan la animación que fue registrada con cámara digital y luego editada con un sencillo editor de videos que las escuelas pueden tener en sus salas de informática
METODOLOGIA DE TRABAJO: recreación de obra con animación
Esta metodología puede ser utilizada para cualquier espacio curricular: por ejemplo, pueden hacer el sistema solar, el proceso de germinación de una semilla, el ciclo del agua, campañas de difusion, estudios de geografía (con maquetas), narrar historias para ciencias sociales, entre una multiplicidad de posibilidades de recreación con él objetivo de que investiguen sobre el tema y lo representen creando una producción audiovisual que transmitirá como resultado, una síntesis de lo aprendido.

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PASOS A SEGUIR
1- Investigación del docente del CD de Antonio Berni para conocer los contenidos desarrollados en la sección destinada a docentes y alumnos
2- Decidir cuales juegos o actividades multimedias se utilizarán en el aula para introducir la temática mediante actividades lúdicas
3- Presentar la propuesta del artista, contar sus técnicas de trabajo, sobre todo el uso del collage, permitir que los alumnos expresen sus interpretaciones y registros de las obras de Berni
4- Imaginar la vida de Juanito Laguna, su barrio, su familia, sus amigos, sus juegos, su escuela, sus sentimientos (todo elaborado en forma de preguntas)
5- Seleccionar una obra para recrear
6- Dividir la clase en grupos de no más de cuatro alumnos/as
7- Proveer de materiales varios (toda clase de material de descarte encontrado en sus casas que deberían traer para esta actividad, mas tijera, plastilina, pinturas, pinceles, etc) Todo organizado en grupos para que no se genere conflicto
8- Explicar que nuestro "Juanito Laguna" no será una obra estática sino que transformaremos una imagen fija en otra en movimiento
9- Mostrar ejemplos con el CD de Educar o bien alguna animación, o hacer referencia a dibujos animados con plastilina
10- Explicar que se diseña la obra pensando en que sus partes puedan moverse para ser registradas como fotogramas (si es necsario, realizar un ejemplo fotografiando una secuencia simple y mostrando en la misma cámara digital)
11- Establecer el tiempo de trabajo y presentación de obra
12- Mostrar en la primer obra como se realiza el proceso de registro por secuencias (no menos de 30 o 40 movimientos para una animación). Conservar en el mismo lugar la cámara y sin interferencias de ilumniación (enseñar formas de organización por turnos para que todos participen)
13- Una vez realizados todos los registros, guardar todas las obras con sus secuencias en carpetas con sus correspondientes nombres
14- Editar las imágenes de ser necesario (recortar, corregir, etc)
15- Editar con el editor de videos en la PC (se recomienda que el primer proceso de edición lo realice el docente con un grupo de alumnos para que aprendan la dinámica y luego lo hagan ellos mismos investigando las distintas herramientas
16- Grabar en CD
17- Difundir en la web y distintos medios (TV, etc)
18- Realizar jornada de videos con otros cursos y la comunidad educativa para socializar las producciones
19- Se sugiere trabajar con proyectos interdisciplinarios

FUENTES:
Material Didáctico de Educar CD de Antonio Berni
Wikipedia
El Uso Educativo de las TIC
Imagenes de Juanito laguna de Google
BIBLIOGRAFIA
-ARNHEIM, R. (1993) Consideraciones sobre la Educación Artística. Barcelona: Editorial Paidós.
-BRUNER, J (1994) Realidad mental y mundos posibles. Gedisa.
-EISNER, E (1994) Cognición y currículum. Una visión nueva Amorrortu Bs. As.
-CSIKSZENTMIHALYi, M. 1998 Creatividad. El fluir y la psicología del descubrimiento y la invención. Paidós. Barcelona.
-DADAMIA, O. 2001 Educación y creatividad Edit Magisterio del Río de la Plata. Bs As
-GARDNER, H. (1994) Educación artística y desarrollo humano , Barcelona: Editorial Paidós.
-GARDNER, H (1997) Arte, mente y cerebro Paidos. Bs As
-ECO, U, (1992) Los Límites de la Interpretación. Editorial Lumen. Barcelona

Educación artística, cultura y ciudadanía - El marco de la reflexión internacional

    
Lucina Jiménez López. Lucina Jiménez maestra en Ciencias Antropológicas por la Universidad Autónoma Metropolitana. Especialista en Políticas Culturales y Educación Artística. Ex Directora General del Centro Nacional de las Artes de México. Actualmente es Directora General del Consorcio Internacional Arte y Escuela A.C. con programas de educación por el arte en escuelas primarias y secundarias de México y proyectos de colaboración con Nueva York.
 
NUEVOS ANALFABETISMOS, FRACASO ESCOLAR Y EXCLUSIÓN SOCIAL
La educación artística ha sido asociada casi exclusivamente con las opciones formativas destinadas a quienes intentan ser artistas profesionales. Por consiguiente, ha ocupado un sitio marginal en los sistemas educativos en la mayoría de los países no sólo de América Latina, sino de varios continentes.
Sin embargo, desde los años 90, diversos países iniciaron una batalla para incorporar la educación artística, generalmente en su versión de educación por el arte, en las aulas de las escuelas públicas, en un intento de reorientar sus sistemas educativos. La UNESCO señaló en 1999, la necesidad de incorporar esa formación en las escuelas, en aras de buscar la creatividad y la capacidad de distinción, como uno de los recursos necesarios para la educación integral de las personas.
Esta búsqueda se ha incrementado y la mayoría de los sistemas educativos y culturales de nuestros países se hacen las mismas preguntas, porque el mundo mismo vive una batalla por reconciliarse con su dimensión sensible y está en busca de las mejores maneras de hacerlo.
Pero la preocupación por buscar nuevas formas de enseñar y aprender, acompaña una crisis educativa de carácter epocal, es decir, que no obedece a una circunstancia de orden coyuntural, sino que tiene raíces mucho más profundas. La problemática educativa va más allá. El desafío es garantizar la educación básica, erradicar el analfabetismo y mantener a los jóvenes en la escuela, completar la secundaria y reducir los índices de reprobación en este nivel y en el medio superior. En México, por ejemplo, el año pasado, la Secretaría de Educación Pública reconocía que el 66% de los adolescentes de las secundarias están dentro de los índices de competencias insuficientes. Esta realidad es común en varios países latinoamericanos y aún en países del llamado primer mundo.
El sentimiento de fracaso que rodea a miles de jóvenes en las escuelas, se vuelve contra su propia capacidad de aprendizaje y vulnera su autoestima, en un ambiente donde los jóvenes desvalorizan los conocimientos que reciben en los distintos campos. Las culturas que cruzan por el currículum oculto de las aulas se vuelven los hijos de una fina trama en la que quedan atrapados maestros y estudiantes, ante la falta de otros recursos de comunicación, expresión y canalización de energía bloqueada.
 
 
La violencia y la desintegración social están presentes no sólo en el ámbito familiar y en el espacio urbano, sino que se ha trasladado a las aulas de escuelas donde el ambiente escolar puede ser similar al de un reformatorio o un sitio para delincuentes juveniles, cuando la gestión escolar está basada solo en la prohibición y la vigilancia contra las adicciones y la violencia urbana. El caso extremo, lo hemos visto reproducirse una y otra vez en las masacres ocurridas en escuelas de los Estados Unidos, sin que por ello dicha sociedad se cuestione el tema de la violencia y de las armas en la cultura cotidiana de millones de estadounidenses.
Uno de los retos más grandes del siglo XXI en ese sentido es contrarrestar la generación de nuevas formas de analfabetismo y de exclusión social, de las cuales una de las más reconocidas es la llamada brecha digital.
Sin embargo, los analfabetismos contemporáneos son mucho más amplios y profundos. No se relacionan solo con la palabra escrita, sino con nuestras escasas capacidades para leer imágenes, símbolos, sonidos, movimientos y otras formas de comunicación que son fundamentales en la llamada era de la “explosión de los sentidos”. Es decir, el desconocimiento de los códigos y lenguajes artísticos se ha convertido en un analfabetismo que excluye a millones de personas del uso de sus capacidades de creación, comunicación y expresión y les limita en su posibilidad de diálogo con la diversidad cultural, con otras formas culturales necesarias para sobrevivir en una sociedad interconectada.
La ausencia de educación artística en las escuelas y en espacios no formales avanza en la creación de nuevas formas de exclusión social y aún generacional. Confina a los niños y jóvenes a una sola dimensión de la vida. Muchas veces esa vida es ajena a la vida cultural y al conocimiento no sólo universal, sino de lo propio. Atenta en ese sentido contra la diversidad cultural y reduce a los niños y jóvenes al papel de consumidores de un mundo de imágenes y de productos culturales. 
¿Con qué armas nos enfrentamos y se enfrentan ellos a la explosión de imágenes, unas excesivas y otras complacientes, en las cuales la sexualidad, el poder y la violencia se desbordan conformando una cultura visual saturada y veloz, autoritaria, sensual y hedonista? ¿Estamos alfabetizados en el hecho de mirar? ¿Tenemos herramientas para ejercer con autonomía el acto de escuchar? ¿Conocemos los fundamentos del movimiento y por lo tanto somos capaces de leer nuestras emociones en las huellas de nuestro cuerpo?
En otro sentido, la ausencia de esa educación artística frena el diálogo cultural y generacional entre maestros y niños y jóvenes que tienen prácticas y gustos culturales muchas veces vitales y diversos, aún siendo fruto de lo masivo, de posturas radicales o desafiantes, pero donde éstas culturas musicales, corporales e iconográficas son condenadas, rechazadas o estigmatizadas. 
Reducidos a consumidores, nuestros jóvenes se arremolinan en los centros comerciales, en el mercado ambulante, en las calles sin pavimento o en los antros en busca del placer hedonista, de estímulos externos ante una realidad escolar llena de obstáculos y donde sus habilidades se enfrentan a dos de los enemigos más poderosos de nuestro tiempo: el aburrimiento y el escepticismo.
 
EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y CONOCIMIENTO
Pero la necesidad de la educación artística no es solamente de carácter formativo, expresivo o comunicativo aunque en esencia esa sea la dimensión que estamos buscando subrayar. La sociedad contemporánea demanda nuevas habilidades entre los profesionales de todos los campos. Ahora importan más la capacidad de adaptación a un mundo cambiante que los conocimientos estables o estandarizados, la posibilidad de buscar soluciones diversas a los mismos problemas, las habilidades de interconexión con el otro, ya sea a través de la tecnología o a través de las relaciones interculturales.
El desarrollo del capital intelectual se advierte como una de las inversiones más importantes para poder definir el futuro de las naciones en el mundo global. ¿Porqué IBM invirtió a principios de los 90 en educación artística en las escuelas públicas de NY? Porque estaba creando capital intelectual capaz de desarrollar el pensamiento abstracto necesario para el desarrollo del software, la principal fuente de ganancias de la industria informática.
En su autobiografía Einstein narra cómo lo expulsaban incisamente de las escuelas primarias. La última vez a causa de que le arrojó una silla a su maestra. Entonces dice el genio de la ciencia, “yo cambié y me transformé en otra persona cuando aprendí a tocar el violín y cuando descubrí a Mozart”.
El avance de la neurociencia y de la Gestalt, avanzan en el reconocimiento de la conectividad entre arte y ciencia, entre arte y pensamiento, entre arte y aprendizaje. Ahora, es posible que alguna de las agencias internacionales más importantes de cuenta de investigaciones en marcha en la Universidad de Stanford, que comprueban que tocar un instrumento musical ayuda a los niños que sufren dislexia y tienen problemas de lectura, porque les apoya en la comprensión, a sintetizar, a poner atención en lógicas y secuencias abstractas.
Los maestros en las escuelas, muchos de ellos alimentados por un espíritu misionero y de sacrificio, se empeñan a veces en condiciones difíciles, por alcanzar metas educativas orientadas todavía desde el racionalismo y hacia aprendizajes donde lo que importa es el resultado, no el proceso. Ellos tampoco recibieron una formación en los nuevos lenguajes y sus estrategias de lectura. La educación artística fue retirada de las normales para ocupar el tiempo en cosas “más útiles”. ¿Cómo podemos esperar que ellos generen esas nuevas formas de aprendizaje?
Es como poner a enseñar inglés a alguien que no habla inglés. Y aunque parezca broma, eso es efectivamente lo que está sucediendo en varios países latinoamericanos y por eso nuestros estudiantes no aprenden inglés en la escuela pública.
Gardner trajo a la escuela la necesidad de trabajar en el desarrollo de las inteligencias múltiples, todas ellas relacionadas con las nuevas formas de lectura del mundo: “Partiendo del marco teórico de la psicología piagetiana y del procesamiento de la información, Gardner propone una nueva manera de entender y desarrollar la inteligencia. […] que tiene más que ver con la capacidad para resolver problemas y crear productos, valorados por una cultura, que con la medida del CI. Propone siete tipos diferentes de inteligencia (lingüística, lógico-matemática, visual-espacial, corporal-cinestésica, musical, interpersonal e intrapersonal) (Gardner, 1983).(2)
Estas encuentran en la educación artística o en la educación por el arte, un espacio privilegiado para recuperar a la persona en el proceso de enseñanza aprendizaje, un campo de exploración de valores como la tolerancia, la diversidad y la disciplina, la creación de un ambiente afectivo de descubrimiento individual y colectivo, además del desarrollo de nuevas maneras de producir conocimiento, de desarrollar capacidad de abstracción y de relacionar, de distinguir y de elegir.
Estas inteligencias múltiples cada vez más buscadas por la escuela en muchos países, incluido México, suponen habilidades para desarrollar muchas otras formas de lectura del mundo interno y del mundo que nos rodea.
 
DIVERSIDAD CULTURAL, TECNOLOGÍA Y LECTURA DEL MUNDO
Durante el desarrollo de la computadora y especialmente de la Red Internet ha habido un cambio drástico en la lectura y la escritura. Al ser ésta una red de redes en la que se conectan una diversidad de textos: escritos, verbales, visuales y auditivos, el ciberespacio se ha vuelto una red neuronal donde la producción de la escritura, del conocimiento y del aprendizaje se presenta en condiciones de simultaneidad y aparentemente “sin límite”.
En realidad los límites están dados por las diferentes capacidades de hacer “uso” inteligente de la Red, de navegar y conectarse con contenidos significativos para no perderse en los infinitos planos del hipertexto, para distinguir los contenidos valiosos de la basura electrónica, para entender las múltiples conexiones entre las informaciones localizadas, para ponerlas en contexto y no simplemente para copiarlas sin razonar, como ocurre con muchos niños y jóvenes que viven de la piratería ciberespacial.
Los cambios que han introducido el texto y la escritura electrónica son radicales. Permítaseme una observación de mi propio proceso. A partir del uso de la computadora mi cultura escrita ha sufrido un cambio radical. Pero el cambio no sólo es externo, sino que afecta la manera en que pienso y puedo expresar ese pensamiento a través de la palabra.
Somos testigos de una de las revoluciones tecnológicas más aceleradas que haya vivido la humanidad en un lapso de tiempo muy corto y donde la espectacularización de la vida y el predominio de una cultura de entretenimiento reclaman nuevas formas de narratividad. Vivimos en una sociedad donde la explosión de las imágenes convertidas en textos, exigen de nuevas competencias en las habilidades lectoras de los niños, los jóvenes y aún los adultos.
Desde la aparición de la televisión y primero del cine, los ciudadanos cambiaron profundamente su mirada y la lectura del mundo, un mundo que ahora se nos presenta mediado por todo tipo de pantallas.
Los niños han pasado de la televisión a la videocassette y luego a los videojuegos, desde el nintendo, pasando por el play station, al gameboy, e game cube y el X-box, hasta los juegos electrónicos que circulan por la red Internet. Dos conceptos se han transformado en este contexto: el tiempo y la distancia. Los niños y los jóvenes gustan de la velocidad y las estéticas de la lentitud les desesperan. Su lectura va a saltos, por fragmentos, va y viene, no se detiene mucho en un solo tema ni en un solo tiempo. Los niños de clase media y más, vinculados al chatteo, han creado un lenguaje híbrido y a la vez compactado, en el que mezclan imágenes, íconos, fragmentos de palabras. ¿La ortografía? No está ni siquiera en los márgenes de sus preocupaciones. Ni siquiera usan el correo electrónico, lo consideran pasado de moda. Van directo a la comunicación simultánea en tiempo real. Hablan a la vez con 30 niños y niñas de diferentes escuelas y aún países.
 
 
La fragmentación social se ve incrementada justamente porque unos cuantos están instalados en la era tecnológica, virtual e hipertextual, mientras otros viven en el oscurantismo más grande, pero con una cultura ligera que es fruto de años de exposición a medios electrónicos que proponen a través de la cultura del espectáculo, una lectura superficial del mundo.
Una de las características más interesantes de nuestro tiempo es la convivencia de soportes, recursos y dispositivos a través de los cuales circula la palabra, la imagen, el sonido, el movimiento. El poder de las llamadas nuevas tecnologías, es que son en cierta medida acumulativas y no necesariamente sustitutivas. De ahí que en un mismo espacio y tiempo convivan simultáneamente el libro, la foto en blanco y negro, la radiodifusión, el video, el cine, la televisión y la Red Internet.
Por ello, más que angustiarnos por la competencia de otros medios aparentemente más poderosos, lo que debemos hacer es enriquecer la capacidad de elección, de selección, de generación de repertorios no sólo de lectura sino de relación con otras prácticas culturales donde la estética de las prioridades vayan más allá de las telenovelas y las fotonovelas. Y no tengo nada en contra de las telenovelas, ni tampoco de los comics. 
El asunto es cómo introducimos la diversidad en un mundo que intenta ser homogéneo. ¿Cómo podemos ampliar el repertorio de los géneros dramáticos a los cuales los ciudadanos se acercan para no quedarse en el más elemental de todos, el melodrama? ¿Cómo le damos sentido a la existencia si no podemos romper con el aburrimiento de siempre lo mismo?
 
EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y CIUDADANÍA CULTURAL
Construir ciudadanía cultural a través de la educación artística se antoja una tarea de mediano y largo plazo porque el gran déficit del que parten la mayoría de los países es de carácter epistemológico, filosófico y por tanto, conceptual.
Todavía hace falta fortalecer en el medio escolar la comprensión del vínculo entre arte y ciencia, arte y tecnología, arte y pensamiento, arte e interculturalidad.
El arte tiende a verse como algo secundario, para el tiempo libre, de carácter extracurricular, desvinculados de los otros aprendizajes. También están presentes las prácticas que subordinan el arte a mero recurso didáctico, en realidad para aprender otra cosa, la que sea, pero no el lenguaje artístico. En el otro extremo hay quienes asumen el valor del arte por el arte y buscan dentro de la escuela el camino del purismo, donde el arte no se relaciona con los fines de la escuela y entonces el riesgo es intentar mezclar agua y aceite.
En ese sentido, se antoja necesaria y urgente la discusión de los enfoques académicos para fortalecer la relación y la cooperación entre la educación y la cultura, especialmente a través del arte.
Igualmente, hace falta abrir nuevos espacios a la educación artística no formal y convertir los espacios urbanos en sitios de aprendizaje y eso pasa por la recuperación y creación de nueva infraestructura cultural, por el replanteamiento de las tareas de formación de los centros culturales ya establecidos y por la generación de nuevos vínculos entre escuela, centros culturales y artísticos y comunidad.
Romper las fronteras entre el adentro y el afuera en el quehacer de estas infraestructuras y generar movimiento social en torno a la educación artística y la educación por el arte, se convierte en uno de los retos para la construcción de ciudadanía cultural.
No está de más subrayar que ese proceso debe incluir de manera destacada el uso de los medios de comunicación y de las redes tecnológicas. Ello resulta fundamental para generar nuevos modelos de conectividad, para dinamizar el deseo de romper las barreras que separan a los ciudadanos, especialmente entre los niños y jóvenes, de los lenguajes artísticos, para facilitar su tránsito hacia la forma de creadores y espectadores críticos y capaces de interactuar con distintas estéticas propias y del otro, y no sólo vivir en el mundo del consumo de lo que otros hacen.
 
HACIA LA CREACIÓN DE REDES Y LA COOPERACIÓN INTERNACIONAL EN LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA
Dado el gran rezago en este campo y la falta de docentes especializados, la ausencia de metodología, pedagogía y didáctica para el aula y aún para los espacios informales, es difícil que cada país, iniciativa o colectivo resuelva de manera individual y aislada, lo que constituye un problema de orden global, aún cuando el objetivo mismo de dicha búsqueda, se oriente hacia el fomento de la diversidad cultural.
En ese sentido, necesitamos crear redes y fortalecer la cooperación internacional, creando redes y estrategias novedosas e inteligentes de acción en este campo. El énfasis debe estar en la construcción de plataformas conceptuales para empezar a nombrar, o más bien reconocer lo nombrado, en un terreno todavía emergente; la necesidad de reconocer, documentar y socializar buenas prácticas; en la necesidad de socializar el capital intelectual y el recurso humano con el que cuenta cada país, a fin de potenciar su impacto nacional, regional, internacional o local.
Igualmente, conviene el uso de la tecnología para el intercambio y la comunicación, así como la conformación de redes de investigación comparada, de docencia y de experimentación en este campo.
En México, hemos dado ya los primeros pasos. La Secretaría de Educación Pública, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y organismos de la sociedad civil como el Consorcio Internacional Arte y Escuela A.C., que actualmente dirijo, han establecido nuevos vínculos para fortalecer la educación artística en las escuelas públicas. Hemos desarrollado proyectos piloto nacidos del diálogo intercultural con otros países y ahora nos disponemos a escalar proyectos que antes fueron experimentales, en la perspectiva de la creación de escuelas de tiempo completo y el desarrollo de iniciativas de impacto regional y local.
Vivimos un momento de gran interés para la educación artística, la construcción de ciudadanía y la búsqueda de cohesión social en nuestros países. La Agencia Española de Cooperación Internacional y la Organización de Estados Iberoamericanos, los ministerios de educación y cultura y diversas ONGS de muchos países están subrayando la necesidad y la voluntad de apoyar la cooperación internacional en este rubro, así como el deseo de abrir espacios y acompañar este proceso de diálogo intercultural a través de la educación artística dentro y fuera de las escuelas, como una de sus estrategias prioritarias.
Sin duda alguna, debemos tener claros los alcances y las limitaciones de la educación artística. Ella no es una panacea, ni puede garantizar el paraíso. La educación artística no puede sustituir las políticas públicas orientadas hacia la generación de mejores condiciones de vida, la creación de empleos de calidad y de combate al narcotráfico y el narcomenudeo en las escuelas y sus alrededores. Para avanzar, debemos dejar atrás la tentación de las posturas mesiánicas o misioneras para estructurar proyectos con pertinencia y viabilidad académica, basados en la investigación y la evaluación. Necesitamos reconocer que se trata de un campo de complejidad que requiere de profesionales especializados. De lo contrario, los esfuerzos serán útiles, pero corren el riesgo de no conducir a un aprendizaje significativo capaz de transformar la experiencia de miles de niños, niñas y jóvenes.